Жень скажу честно,прослушал только то,что вы предложили в ролике.Как по мне его место в рубрике музыка вне стилей и всё такое.Ничего классического или академического не услышал,поправьте научите если что не так
после того как прочитал эту тему от корки до корки (как говорится) хочу ещё раз её перечитать.Как хорошо что были ЛЮДИ благодаря которым я обратил внимание на классику.Теперь всё остальное мне кажется не тем....оно мне кажется скучным что ли.Но дело не в этом,дело в том,что тот же пендерецки писал так,что классику хотелось слушать.Вы же сейчас... надо выпить
и еще есть множество ссылок на его конкретную музыку на российском сайте классической музыки "classic-online" - вот тут - музыка Шельси ...
думаю, для начала этого вполне достаточно.
а чему-то специально вас научить у меня не получится.
слушать надо... думать надо... и читать надо.
и довольно много.
а описывать-рекламировать классику завлекательными фразами с красивыми "одухотворенными" оборотами (как это делает penderecki) - пустое занятие.
особенно когда доходит до заявлений о какой-то особой "гуманности" музыки Баха...
(впрочем, советская критическая музыкальная школа как раз на таком и построена...)
мелодии бывают очень разные.
мелодии Чайковского, Баха, Скрябина, Шостаковича и Лигети практически не имеют между собой ничего отдаленно схожего, кроме некоей общей чисто структурной схемы.
и еще надо иметь в виду, что современный слушатель, особенно воспитанный на рок- и поп-музыке, чаще всего путает мелодию с красивым риффом...
а ко всему прочему, музыка - это вообще не "о мелодии", а о том, что и как с этой мелодией в произведении происходит... музыкальный гештальт только отталкивается от мелодии - а дальше начинается самое интересное.
то есть самое важное в музыке - не в самой мелодии.
да какой здесь может быть "пример"??
это чистая философия музыки.
речь идет о том, что:
"Мелодия – это ритмично устроенная последовательность нот и их длительностей, которая воспринимается как единое целое. Ноты мелодии не воспринимаются отдельными кирпичиками, висящими в пустоте, но сливаются в единую форму, или как говорят психологи – гештальт.
Чистая мелодия, скажем, сыгранная одним пальцем на фортепиано, хоть и моментально узнаётся (= опознаётся в виде целостности, обладающей узнаваемым характером), но радости почему-то совсем не приносит. Чистой мелодии на фортепиано оказывается мало.
Музыка - про то, как мелодия теряет свою абсолютность и фундаментальность, покидает своё центральное место.
Музыка - про музыкальные процессы, реализованные в каждом отдельном опусе...
А мелодия – это некоторое средство, которое нужно для того, чтобы отметить в этой игре некоторую временную и условную твердь."
эта цитата приведена для смыслового ориентира, а примерами является музыка В ЦЕЛОМ!
грубо говоря, более мелодичной людям кажется та музыка, в которой с мелодией происходит как можно меньше "событий" - ну, как в песне - зачин, рифф, припев, пара куплетов, опять рифф и припев, и кода.... и все это насквозь "прострочено" короткой запоминающейся (чтоб не сказать бОльшего) мелодической "фразой".
а вот попробуйте проследить, что становится с мелодией... ну, для начала, хотя бы в простых джазовых классических вещах - там мелодия сразу начинает, во-первых, "заигрывать" с ритмом - буквально "бегать" от него (это называется свинг), затем мелодия вдруг начинает ломаться, преобразовываться в импровизацию... через какое-то время она вообще почти пропадает, возникают "параллельные" схожие мелодии, потом может возникнуть из их смешения почти хаос... и вдруг потом все начинает возвращаться на место... и - вуаля - в финале мы обратно приходим к начальной мелодии - НО!!!
но - САМОЕ интересное в этой музыке происходит не в начале и не в конце - а в середине - там, где мелодия именно "теряет свою абсолютность и фундаментальность, покидает своё центральное место".
в разной классике (особенно ХХ века, и в современном джазе) все еще сложнее и замысловатее, несмотря на порой внешнюю простоту (как у минималистов).
Шельси строил свою музыку на одном-единственном звуке, обретавшем с течением музыкального времени новые краски (смена приема звукоизвлечения, добавление соседних микроинтервалов, иногда ближайших гармоник). Композитор утверждал, что его роль сводится только к передаче того, что послало ему Сущее во время сеансов медитации (и одновременно музыкальной импровизации), и поэтому отказывался от оформления собственных рукописей, считая, что это нанесет непоправимый ущерб его посреднической миссии.
ну... Шельси строил далеко НЕ ВСЮ свою музыку на одном-единственном звуке...
были у него и такие опусы... и на непрофессиональный слух ни за что не скажешь, что там действительно всё на одной ноте - хоть оно и правда так и есть.
тут еще одно - не надо путать понятия "один звук" и "одна нота"!!!
вот следующий пример - самый яркий и известный.
"Четыре пьесы на одну ноту соль"
гениальная музыка. передать СТОЛЬКО чувств одной нотой для целого оркестра... феноменально!
Ба, да здесь прямо «театр одного актера»!
Ну да ладно…
Постоянное прослушивание одного и того же любимого, близкого музыкального материала, как правило, рождает эмоциональные, образные ассоциации. Слушатель различает и выделяет для себя основные мелодические элементы, смену темпов и кульминации. При этом, пожалуй, подмечает общие, основные элементы трактовки сочинения. Иногда, выявляет тот или иной фрагмент, который, по его мнению, не удается исполнителю, либо исполнителям. Подобное, пусть и слишком упрощенное – свидетельство вдумчивого, пытливого и тщательного слушателя…
В новогодние дни, наверное, как никогда более, хочется душевного тепла, спокойствия и умиротворенности. Оставить в стороне будничное, привычное… И здесь будут очень кстати камерные сочинения Моцарта – квартеты и квинтеты. А исполнители кто, спросите вы. Не буду здесь оригинален – конечно Barylly Quartet и Suske Qurtett.
Пожалуй, именно эти два ансамбля смогли с видимой непринужденной (прямо «моцартовской» ) легкостью воплотить в исполнительской трактовке дух камерной музыки австрийского композитора. Несмотря на индивидуальный подход к исполнению сочинений (подробный исполнительский анализ вряд ли кого здесь заинтересует), трактовки объединяет, в первую очередь – искусство динамических контрастов, цельность формы, лаконизм использованных исполнительских приемов. И здесь, в своей основе –не сила, блеск и тонкость превосходных, выверенных исполнительских градаций, а ясность, мелодичность линий и … ПЕВУЧЕСТЬ тона, невероятное искусство мягкости звукоизвлечения, «горение в музыке». Чего только стоит Allegro spiritoso из Двенадцатого квартета в исполнении Suske Qurtett, или Третий (ранний) квартет в трактовке Barylly Quartet и др.
Характер звучности, ощущение формы и необычайная эмоциональность, непосредственность только подчеркивают приверженность к совершенству, искренним человеческим ценностям. Подобные исполнители помогают слушателю заглянуть в сокровенные глубины музыки, в незыблимую ценность своего прошлого.
(04-01-2018 19:12)gene_d писал(а): а вот кто такие Suske Quartet?
Из вики : квартет Suske (позднее Берлинский струнный квартет), который изначально был назван в его честь, сыграл главную роль в музыкальной жизни в ГДР , с которой он выступал в Европе, США и Японии. В 1970 году квартет был премирован - «за свою долю мастерской интерпретации произведений национального культурного наследия и социалистической музыки ГДР» Национальной премией ГДР III степени.
(17-12-2017 23:01)gene_d писал(а): послушал... на мой взгляд (вернее, слух) - чересчур романтично и величаво исполняют... ну прямо девятнадцатый век какой-то, а не Бах!
Ну, вам, знатокам, типа виднее... только хочу заметить, я не собирался обсуждать уровень исполнения, просто предложил послушать еще один вариант.
quadrokot, каждая из четырех частей этой пьесы построена действительно на ОДНОЙ ноте ("Scelsi went to an extreme by devoting entire movements to a single pitch..."), которая извлекается музыкантами на разных инструментах с мельчайшими микротональными отклонениями, ритмическими, темповыми и тембральными вариациями...
(а ноты соль там действительно нет, я перепутал...)
Цитата:"Scelsi's most famous work is the Quattro Pezzi su una nota sola for chamber orchestra of twenty-six musicians. Unusually for Scelsi's orchestral music, this composition was performed shortly after it was written: in Paris under Maurice Leroux on December 4th, 1961. It gave the composer some amount of recognition at the time, and is now known as one of the most pioneering works of the 20th century: each piece sticks rigorously to a single note, the succession being: F, B, Ab, A.
As is normal in Scelsi's orchestral music, the instruments are concentrated in the low registers and include percussion: alto flute, oboe, English horn, two clarinets, bass clarinet, bassoon, four horns, saxophone, three trumpets, two trombones, bass tuba, musical saw, timpani, bongos, tumba, suspended cymbal, small and large tamtam, two violas, two cellos, double bass. The four movements use slightly different forces, and only the last combines all twenty-six musicians. The pieces each elaborate their single notes by means of variations in tessitura (unisons and octave doublings), dynamics and timbre, as well as introducing microtonal fluctuations and the occasional harmonic shadow; climaxes appear in these various domains at different times, all formally derived from the golden ratio.
This is Scelsi's premier revolutionary work, springing out of the ether in an act of pure intuition. There is no sense of monotony as one might expect from the verbal description of the piece, or as one finds in Glass' or other "minimal" music; there is no real predictability in the music: it is spontaneous invention within a formal constraint which quickly disappears in the face of the power of the sound. The rhythm of the Quattro Pezzi is both subtle and powerful: already Scelsi is modeling the presentation on the act of breathing which is so important in yoga, and which is to become ever more crucial in his Fourth Period. There is an eternal quality about the music which at times flows and at others halts in a suspended glimpse of cosmic motion, it goes beyond itself and within itself, producing a heightened sense of existence emerging from beyond. This is derived from the infra-chromatic nature of the piece, which as in all of Scelsi's mature music, draws much of its musical direction from the complexities inherent within each individual sound, both as regards duration/decay/resonance and timbre/inflection/dynamics.
The brief first movement presents the melodic material - and it is indeed melodic, due to shading, rhythm and instrumental timbre - in an eruption of incredible power; one could not imagine a more effective introduction to this piece or to Scelsi's mature music in general. After the high drama of the second movement, the third (omitting percussion) has an ethereal quality about it which hangs beyond time in the slowly decaying sound of its final moments. The fourth movement has an extreme finality, with cadences punctuated by percussive outbursts, as if to say: I am sound. "
